LEONARDO DA VINCI. (IV)

                                                     

 

                                                         G.- GIOCONDA.

Se cree que la mujer de la enigmática sonrisa es Lisa Gherardin , esposa de Francesco del Giocondo. La pintura, que cuelga en el Louvre , es la más famosa del mundo. El 21 de agostoe 1911, los guardas de seguridad del museo  se dieron cuenta de que “La Gioconda”, de Leonardo no colgaba en la pared  del salón Carré.  Había desaparecido, solo estaba el hueco vacío  en la pared  y los clavos que sujetaban el cuadro. Dos días después los periódicos de todo el mundo se hacían eco de la noticia en sus portadas. Aquel día murió un cuadro y nació un icono universal. El autor del robo fue Vincenzo Peruggia , un pintor y decorador italiano de 30 años que había trabajado en el Louvre.

La Mona Lisa había estado durante dos años a escasos tres kilómetros del Louvre. En la humilde casa de Peruggia en el número 5 de la Rue de  l´Hospital Saint Louis , encerrada en un armario cerca de la cocina. Fue condenado a tres años de cárcel, pero apenas estuvo doce meses. Es una pequeña tabla de 77 por 53 centímetros. Leonardo tardó cuatro años en pintarla . Se exhibe en una vitrina a prueba de balas.  Napoleón en 1800 que sacaran el cuadro del Louvre y colocaran en su dormitorio de las Tullerías. Cuando fue coronado Emperador en 1804 lo devolvió al Louvre. El duque de Buckingham propuso intercambiar “La Gioconda” por el “Erasmo”  de Holbein y la “Sagrada Familia” de Tiziano.  Luis XIII estuvo a punto de aceptar.  Cole Porter  la incluye en su canción “You Are  the top”.

También le han dedicado canciones Bob Dylan, Elton John,  Carlos Santana. Su imagen ha servido para anunciar coches , preservativos, corsés, queso, caramelos,  tabaco, champán, prótesis dentales, horquillas . Fue símbolo de  los Mundiales de Futbol de 1990.  En la II Guerra Mundial la BBC utilizó su sonrisa como mensaje en clave para la Resistencia Francesa: “La Gioconda conserva su sonrisa”.

EL MUSEO DEL PRADO.

Es el principal museo español de pintura, se halla instalado en Madrid, en el edificio que fue proyectado para el Museo de Ciencias Naturales en tiempos de Carlos III.

La idea de que las riquezas artísticas reunidas por los reyes debían ser conocidas y disfrutadas por las gentes, surgió ya en el siglo XVI y se extendió en el siglo XVII Y XVIII. En España, sin embargo, el proyecto no se hizo realidad hasta el reinado de Fernando VII. Para ello se eligió un edificio en construcción sito en el Paseo del Prado de San Jerónimo de Madrid.

Esta obra de admirable estilo neoclásico, destinada en principio a museo de Ciencias Naturales, se había comenzado a construir en 1785 por mandato de Carlos III. El museo del Prado se abrió al público el 19 de noviembre de 1819 con 311 pinturas todas ellas españolas. Hoy en día se ha convertido en una de las pinacotecas más importantes del mundo. Alberga gran cantidad de obras de artistas de la categoría de Velázquez, Ribera, Zurbarán, Murillo, Goya, el Greco etc.

                   (Fuente Argos.)

 

 

LA PINTURA

 

Los pintores de la Prehistoria dibujaban y coloreaban a la vez, utilizando polvo de huesos calcinados, carbón de leña y tierra seca de diversos colores. De ese modo pintaron los bisontes rojos y negros de Altamira unos 12.000 años antes de J.C., así como los ciervos y caballos de Lascaux, en Francia, hará más de 10.000 años.

En Egipto, se pintaban las paredes, y el abanico de tonos era tan amplio que incluso se encuentran verdes y azules. Los pinceles fabricados con las cerdas de los animales, permitían trabajar con delicadeza los matices, mientras que las pinturas sobre madera, con los colores hechos a la cera posibilitaban el retrato y aseguraban una prolongada conservación.

En los muros de Pompeya, Italia, se han encontrado pinturas murales bien conservadas, son de antes de nuestra era y se realizaron con capas de colores superpuestas  y cuidadosamente enceradas para hacerlas más resistentes y más brillantes.

La pintura al fresco apareció en Italia a principios del Renacimiento, el color se incorporaba al mortero fresco antes de que se endurezca.

Durante mucho tiempo, los cuadros se realizaron con pintura al huevo y con colores desleídos antes de barnizarlos Para que  resistieran mejor el paso del tiempo, pero hacia 1420, el flamenco Van Eyck inventó la pintura al oleo y muy pronto los pintores adoptaron esta nueva técnica.

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Según una opinión muy generalizada, la Gioconda, pintada entre 1503 y 1507 por Leonardo de Vinci, sería el cuadro más famoso del mundo, aunque solo mide 77 centímetros por 53.

Por otro lado, el Guernica de Pablo Ruiz Picasso, permanece como uno de los más importantes testimonios de las atrocidades de la guerra, la civil de España, en este caso.

         

LA PASIÓN ARTÍSTICA DEL REY FELIPE II

 

El monasterio  de San Lorenzo en el  Real de El Escorial fue mandado construir por Felipe II en 1562.  Cuando falleció el rey, en 1598, la obra ya estaba concluida.  En tan breve espacio de tiempo, un monumento de tan vastas dimensiones, posibilitó una unidad de lenguaje sin igual. Detrás de tan magna obra,  se encontraba el propio rey y los arquitectos Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

El monasterio fue creado para ser panteón, basílica, palacio y biblioteca, y para su decoración se buscó lo mejor del siglo XVI: Patinir, Navarrete el Mudo, Pantoja de la Cruz, Sánchez Coello o Gerard David, además de El Bosco y Tiziano. Cuenta de ello lo dan “Los Libros de entrega de Felipe II”. El monasterio se convirtió así en el principal centro de obras de arte de la Europa del Renacimiento y el edificio del siglo XVI el mejor documentado de Europa.

El gran valor que aporta De El Bosco, a Tiziano. “Arte y maravilla en El Escorial” es que las obras se exponen en los lugares para los que fueron concebidas, lo cual hace que la obra de arte se reencarne y recobre sentido histórico.

El Bosco y Tiziano

En la Sala de Honores encontramos un espacio dedicado a El Bosco y a los pintores preferidos de Felipe II. Podemos contemplar diversas obras de caballete y las tablas “Ecce Homo” y “Cristo camino del Calvario”, de El Bosco.

El espacio de la Iglesia vieja está dedicado a Tiziano y a la influencia italiana, junto a la escuela flamenca de El Bosco y la española de Navarrete, el Mudo. Felipe II fue el mayor coleccionista de obras de Tiziano en la Europa del Renacimiento, y en la Iglesia vieja se conservan “El martirio de san Lorenzo” y una copia de “La sepultura de Cristo” y “La adoración de los reyes”. También aquí encontramos la serie de tapices “Paños de oro”, que formó parte de la decoración de la iglesia en algunos periodos.

La Galería de batallas.

En este espacio encontramos unos magníficos frescos que representan episodios bélicos: la “Victoria de San Quintín”, que tuvo lugar el 10 de agosto de 1557, festividad de San Lorenzo y motivo de la construcción del monasterio.

“La batalla de la Higueruela”, una victoria contra los infieles musulmanes; y la “Batalla de las Islas Terceras”, ganada por don Álvaro de Bazán, exponente de la guerra moderna en el mar.

Música y Liturgia

En el coro de la basílica se custodian libros de canto desde el siglo XVI: cantorales, pasionarios y los Libros de consagración de la basílica. El monasterio fue un auténtico archivo de la Contrarreforma, con su amplísima colección de relicarios, imágenes de santos, libros miniados, pinturas y esculturas.

Patio de los evangelistas

El “Patio de los evangelistas” es una de las grandes piezas arquitectónicas del edificio. El templete central, obra tardía de Herrera, está decorado con cuatro esculturas, de san Mateo, san Marcos, san Lucas y san Juan, obras de Juan Bautista Monegro. Todo un conjunto en granito, mármoles y jaspes de diferentes colores.

Además de lo expuesto, no se pueden dejar de citar los tapices de Michel de Coxcie de la serie “La construcción del arca de Noé” y el cartón que representa la “Entrada de Noé” y “Los animales en el arca”, que se exhiben en el claustro alto. Tampoco la escalera principal, una de las primeras  mayores de estilo imperial construidas en el Renacimiento.

En los frescos de su bóveda, obra de Lucas Jordán, se representa la Gloria de la monarquía española, con temas como “La batalla de San Quintín”, o “La Gloria de la Casa de Austria”.

Puede decirse que el rey Felipe II ideó El Escorial como un auténtico parnaso en el que los mejores artistas de la época actuaron en su decoración y ornato. Un arte y maravilla que se puede contemplar hasta el día 14 del próximo mes de septiembre.

Fuente: Alfa Omega 2014

 

LOS SELLOS SON LOS BONSAIS DE LA FILATELIA (FRONTERA RED. REVISTA DIGITAL. BLOG DE JULIO JOSÉ DE FABA, CONSULTADO 11/06/2019). (I)

“Los sellos y los reyes siempre se han llevado bien, cuestión de costumbres y espacios simbólicos compartidos. Incluso los otros reyes, los Magos, también resultaron -para mi generación- grandes promotores filatélicos. A numerosos adolescentes tiernos y aplicados del tardofranquismo, nos regalaban por Reyes –entre otras cosas- raras exquisiteces de filatelia. Y no era de extrañar que su compra se reservase para acontecimientos especiales, ya que sus altos precios los hacían un tanto inaccesibles.

Recuerdo con auténtica devoción el flamante álbum de sellos azul marino con letras doradas, y su distinguido estuche gris plata, que encontré en el salón aquella mañana de reyes de mi tardía infancia; aunque lo que a mí realmente me fascinó del regalo, fueron los tubitos dorados interiores del álbum, por los que pasaban los orificios de las hojas de sellos, y que se cerraban con dos tornillos dorados, de cabeza ancha. Era tal vez el mecanismo más sofisticado –entre los de mi propiedad- que yo había manejado nunca. Hasta entonces, no había tenido la sensación de atornillar páginas a ninguna parte, y menos aún con tan nobles materiales.

Para comenzar este paseo filatélico de Epifanía, quiero compartir con los lectores unos deliciosos sellitos, con los que no he podido dejar de regocijarme ante su encuentro. Se trata de una serie de sellos portugueses de pequeño formato (como la mayoría de los sellos alemanes, franceses o ingleses, que circulaban por esos países durante los años 60 y 70), editados a dos tintas, con una exquisita combinación de colores que convierte a estos sellitos -como de juguete- en alhajas filatélicas. El estilo primitivo del trazo medieval del caballero ecuestre blandiendo al cielo su espada, dentro de una flexible armadura y casco casi de buzo, le insufla un aire de muñequito o juguete, en la que colabora el colorista tratamiento de la serie.”

EL PERRO, EL ANIMAL MÁS PINTADO EN LA HISTORIA DEL ARTE

Y añadía: “cualquiera que visite el museo Thyssen tropezará con ellos”   Este era el título del artículo publicado en ABC en 1993 por el catedrático emérito de nuestra Universidad de Sevilla Francisco Morales Padrón.

Parece que el tema tiene interés, pues me encuentro con este otro título: Pinturas célebres con mascotas. A lo largo de la historia el perro y el gato se han representado en el arte y desde el punto de vista artístico no han pasado desapercibidos para muchos pintores han sacado lo mejor de estos animales para dejarlos retratados de por vida. Veamos qué cuadros ha hecho historia.

EL PERRO Y EL ARTE.

El perro fue retratado por nuestros antepasados en la prehistoria, pintaron o esculpieron animales en grutas, como la de Altamira o Lascaux. Más tarde, cuando el esplendor de Egipto,  el dios egipcio Anubis era representado como un perro galgo egipcio.

También lo retrataron los griegos y los romanos, y cuando llegó la Edad Media , con las penurias de la guerra y del hambre , el perro pasa a ser considerado como peligroso, ya  que ha pasado a una vida más salvaje y carroñera, por eso aparecen mitos fantásticos y sin fundamento alrededor de este animal .

Posteriormente, con el avance de los siglos, el perro pasa a ocupar su lugar como ayudante de la caza partir del 800.

Ya en el renacimiento se cambia de mentalidad y la presencia del perro empieza a abundar en pinturas de los artistas de esa época. También se empieza a tener al perro como animal de compañía; así lo expresa el talentoso Tiziano donde retrata a Federico II Gonzaga con un perrito blanco, ajeno a la caza, que puede considerar antecesor del caniche actual.

 

17 DE MAYO DE 1510. BOTTICELLI, PINTOR DE LA PRIMAVERA.

 

El apodo de Botticelli, que significa “tonelete” debía de estar plenamente justificado en la familia Filipepi, pues le fue impuesto al hermano mayor de Sandro y este lo adopt.Así, nadie le conocía, ni le conoce, por su verdadero nombre, Alessandro di Mariano Filipepi, sino por Sandro Botticelli.

Quien haya visto una sola vez, aunque sea en reproducción, la Primavera o el Nacimiento de Venus, jamás podrá olvidar el nombre de Sandro Botticelli, el pintor que fue capaz de hermanar con tal acierto en sus cuadros, la belleza de la naturaleza y la del ser humano; tampoco podrá dejar de envidiar a Lorenzo de Pierfrancesco, -primo del gran Lorenzo el Magnífico- pues fue él quien encargo estas dos obras y quien decoró con ellas una sala de su villa de Castello.

En la vida del joven Sandro, un encuentro decisivo iba a cambiar su destino y su estilo. Un día, paseando por las calles de Florencia, oyó predicar a un monje, fanático y exaltado, llamado Savonarola, este fraile combatía el gusto por el arte y las vanidades y ordenaba quemar cuadros y manuscritos amenazando con penas del infierno a aquellos artistas que no representasen exclusivamente temas religiosos.

Botticelli quedo muy impresionado y, a partir de ese momento, el que había sido hasta entonces el pintor de la primavera y el amor, falto de inspiración, dejo prácticamente de pintar, pues su sensibilidad artística no podía acostumbrarse a la línea que exigía Savonarola.

En este estado de ánimo le sorprendió la muerte en 17 de mayo de 1510.

      También ocurrió en ese día:

  1. se presentan en Paris los Ballets rusos de Diaghilev, que revolucionaron el mundo de la danza y la plástica.
  1. entra en servicio el Banco Internacional de pagos.

8 DE DICIEMBRE DE 1886. DIEGO RIVERA, PINTOR DEL PUEBLO.

La revolución había hecho crecer la esperanza de un México más justo y más próspero. Habían intervenido en la lucha, en defensa de sus ideales, millones de personas, y estos ideales estaban presentes por todas partes, casi eran palpables.

Algunos artistas, los mejores, se hicieron portavoces de todo lo que había significado la revolución, de sus logros y sus limitaciones, de las esperanzas y frustraciones que había engendrado, de los anhelos y aspiraciones del pueblo mexicano, y quisieron perpetuarlo de forma tal que sirviera de recordatorio y estímulo, es decir que enseñara y que educara.

Una de las artes que mejor cumplió este cometido fue la pintura, y dentro de ella, uno de los pintores que mejor expreso estas ideas, tanto por la calidad de sus obras como por la fuerza que supo imprimir en ellas, fue Diego Rivera.

Rivera, nació en Guanajuato el 8 de diciembre de 1886, comenzó sus estudios de pintura en México y se trasladó después a Europa para continuarlos. Regreso a su país en 1921 y junto con otros artistas, fundó el Sindicato de Pintores y Escultores, un organismo que ha influido poderosamente en el desarrollo cultural de México.

A partir de su vuelta, Diego Rivera centra su actividad en la creación de murales. El hecho de que prefiera pintar los grandes muros de los edificios que realizar cuadros se debe a que consideraba, y no era el único, que pintura mural es más accesible al pueblo llano que los salones de los museos o peor, que las casas de los coleccionistas. Deseaba que sus composiciones fueran “leídas” por el mayor número posible de hombres, mujeres y niños.

Se caso con Frida Kahlo y falleció el 24 de noviembre de 1957.

   También ocurrió en ese día:

1580: Felipe II entra en Lisboa.

1861: Nace en Paris el prestidigitador e

           Ilusionista Georges Meliés, creador de

           Los trucos cinematográficos.

                       

      

 

 

 

 

 

EGIPTO: LA DERROTA MÁS VICTORIOSA DE NAPOLEÓN. (I)

En la mayoría de las representaciones artísticas a Napoleón se le ha retratado como un hombre de muy baja estatura, luego de ser un héroe y el la mayoría de las representaciones-pintura, cine y televisión- a Napoleón se le ha retratado como hombre de muy baja estatura.

Luego la fallida campaña de Egipto, Napoleón regreso a Francia y gracias a sus “aportes culturales” de inmediato se convirtió en un héroe del viejo mundo, al grado de que varios artistas le dedicaron obras- como la sinfónica III de Beethoven-pero cuando Napoleón se coronó “emperador de Europa” y sus planes de dominio atentaron contra varias naciones, la admiración que sentían él se convirtió en desprecio. Los primeros que denostaron su imagen fueron los pintores: de presentarlo gallardo y seguro de sí mismo, comenzaron a caricaturizarlo con la cabeza más prominente, el vientre abultado, fofo, casi calvo y porque no, con baja estatura. La fecha de los cuadros no corresponde al momento histórico, algunos se elaboraron incluso después de muerto.

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Ahora es muy fácil tomar cualquier libro de historia y remontarse a los orígenes de la civilización que surgió en los alrededores del Nilo: pero ¿cómo recuperó esa memoria histórica que parecía sepultada para siempre bajo la arena? ¿ por qué la fallida campaña militar fue fundamental para que se descartara el interés por la arqueología?

Una de las claves para que Napoleón ascendiera tan rápido en el poder y se convirtiera en emperador de Europa, fueron las personas de las que se rodeó para emancipar su imagen. Una de ellas fue el barón Dominique Vivant Denon, quien había sido diplomático durante los reinados de Luis XV y Luis XVI, y supo ponerse bajo la protección del pintor Jacques-Louis David durante el periodo revolucionario.

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Napoleón a caballo. Jacques Louis David

Vivant, gracias a su amplia cultura y a sus vínculos diplomáticos, hizo amistad con Josephine de Beauharnais, quien tenía poco de haberse divorciado y ya mantenía una relación con Napoleón Bonaparte. Como Vivant, varios “sobresalientes” a la monarquía- entre los que se encontraba Talleyrand, principal artífice de la política napoleónica-vieron en Bonaparte la oportunidad para recuperar el poder que alguna vez detentaron y por ello lo catapultaron a los círculos más exclusivos de la milicia.

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Talleyrand

Debilitar a Inglaterra.

Las ambiciones de Napoleón-quien venía de una exitosa campaña en Italia-inquietaron al Directorio que gobernaba Francia, pero también lo consideraron una oportunidad única contra los ingleses, por ello, le propusieron que planeara la invasión de Inglaterra: en el remoto caso de que Napoleón triunfara. La victoria seria para el Directorio, si era derrotado, seria la ocasión ideal para deshacerse de alguien que les significaba un riesgo.

“La batalla más difícil la tengo todos los días conmigo mismo” Napoleón.

Napoleón y sus asesores consideraron que era imposible superar las fuerzas navales de los anglosajones, pero propusieron un plan para debilitarlos: cortar el paso de las materias primas que llegaban de sus colonias en la india si lograban dominar el territorio egipcio.

La corona británica, que tenía pocos años de perder sus colonias en América, estaba preparada para una campaña como la que fraguaban los franceses y por ello, tenían espías por toda Europa, al pendiente de cualquier amenaza.

La invasión de Egipto.

El 19 de mayo de 1798, Napoleón zarpo del puerto de Tolon con más de 300 barcos, en los que llevaba 16.000 marineros, un ejército de 38.000 soldados, mil cañones y más de 700 caballos. Los primeros reportes de los espías advertían que el objetivo de los franceses seria Irlanda, pero en cuanto Bonaparte tomó Malta, el almirante británico Horatio Nelson (29 septiembre 1758–21 octubre 1805) movilizo la flota británica en el Mediterráneo en su búsqueda. Los franceses ya habían desembarcado en Alejandría.

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Almirante Lord Nelson

Con lo que no contaban los franceses-además de la inclemencia del desierto y el sol abrasador- fue pelear contra los mamelucos, la casta guerrera al servicio del imperio otomano: 40.000 soldados bloquearon a los franceses a unos cuantos kilómetros de llegar al Cairo.

Napoleón repelió a los árabes con 21.000 soldados. Los mamelucos, aunque eran excelentes jinetes y arqueros, nada pudieron hacer contra los mosquetes y los cañones. Luego de una hora de cargas de caballería árabe contra potencia de fuego europea, los franceses ganaron la batalla con solo 300 bajas. Los mamelucos se retiraron dejando en el campo a 5.000 de sus soldados-entre los muertos, heridos y prisioneros.

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Pintura que representa al mameluco Roustam Raza, guardia personal de napoleón

“Desde lo alto de estas pirámides, cuarenta siglos os contemplan “Napoleón a sus soldados en Egipto.

 “Modernizar” la nación árabe.

Napoleón llego a Egipto con la idea de establecer una nación moderna que fuera ejemplo de lo que cultura europea podía sembrar en obras regiones, para ganarse la simpatía de los egipcios, alabo los preceptos islámicos y se quiso presentar a sí mismo como un “liberador “del poder mameluco, que llevaba siete siglos de influencia en la zona.

Bonaparte promulgó leyes para acabar con la esclavitud, con el feudalismo y para preservar los derechos de los “ciudadanos” con la aprobación de Diwan, la asamblea de notables que gobernaba el Cairo. La guerra parecía ganada: en menos de un mes, Napoleón Bonaparte controlaba Egipto.

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Labor científica.   

Entre el millar de civiles que se sumaron al contingente militar, había 154 científicos que eran expertos en diversas disciplinas: bioquímica, geografía, ingeniería, historia y por supuesto, arqueología.

Conformaron la comisión de las Ciencias y de las Artes del ejército de Oriente. Todos, bajo la dirección de Vivant Denon,(4 enero 1747—27 abril 1825) realizaron trabajos de ingeniería, urbanismo e introdujeron mejoras de estructura en el territorio que ocupo el ejército francés. Estudiaron la posibilidad de construir un canal entre el Mediterráneo y el mar Rojo desde Suez, una idea que se remontaba a los textos de Goethe.

Los científicos recorrieron Egipto durante dos años, tiempo durante el cual copiaron inscripciones de ruinas y monumentos. También realizaron estudios etnológicos, de geología, zoológicos y botánicos. Toda esta información se recopilo en ( Description de L.Egipte, publicado en 20 tomos entre 1809 y 1822). Durante décadas, fue máxima referencia de la civilización egipcia.

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Napoleón frente a la esfinge de Gérôme

LA MAJA DESNUDA.

 

72393167Es el título de un célebre cuadro de Francisco de Goya; sobre el mismo cuentan con mi entrada del 12 de enero de 2013, la que ostenta este título: Un sello con historia. En esta ocasión,  el texto que me va a servir para referirme al mismo llevaba esta introducción: Cuando los EE.UU. censuraron un sello de Correos por “indecente” Y  nos cuenta lo siguiente:

Sucede en 1930, un año en el que la crisis mundial dejaba poco más entretenimiento a los niños estadounidense que coleccionar sellos– Los pequeños yanquis se encontraron de pronto con una  lozana estampilla llegada del otro lado del océano que, sin duda, debió hacer furor . En ella aparece  una señora en pelotas  y en actitud desenfadada, junto a la misteriosa leyenda “Quinta de Goya” y una palabra que habrían  oído contar a sus abuelos, relacionada con una guerra que además habían ganado: España.

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La llegada de  aquella carpetovetónica tan fresca a tierras norteamericanas levantó pronto la ira de sus más puritanos adalides “in God we trust “, defensores de la castidad” que (seguramente) se imaginaron que la combinación del cuadro del maño universal  como lo de “correos” en un mensaje subliminal latino destinado a pervertir a la tierra infancia del país.

Aquel sello mostraba una imagen de La Maja Desnuda”, y este era el nombre filatélico de una serie que mostraba el cuadro homónimo (1800) del legendario Francisco de Goya.  Formaban  parte de un grupo que celebraba el final de la Exposición Iberoamericana de Sevilla (1929-1930) y está considerado como uno de los primeros sellos postales del mundo que mostraron el desnudo de una mujer común, con su mijita de vello púbico y todo, alejado de las idealizadas (y lampiñas) figuras femeninas de la mitología, que sí habían aparecido antes pegadas a los obres de correos de todo el mundo.

Con su emisión, se pretendía recuperar los elevados costes de la construcción de la Quinta de Goya, un bello pabellón de la exposición ya mencionada que estuvo dedicada a la exhibición de las obras del pintor español.

PINTURA CIENCIA-FICCIÓN

No recuerdo haber tratado este tema en mi blog.  Al hacerlo hoy se   debe  a que – al hacer el repaso cotidiano-  he prestado más atención a una serie de tres sellos emitida por Hungría en 1978.

En esta ocasión hay que resaltar lo siguiente: son pinturas con motivos de ciencia-ficción que simbolizan una nave cerca de Phobos, un asentamiento lunar y una estación lunar. Y el autor de la ilustración pictórica fue Varga P.

“Las ilustraciones de ciencia-ficción consiste en creaciones en el espacio ultraterrestre hacerse cargo de de este mundo. La gente cree que está en contra de las leyes conocidas de la naturaleza, pero los científicos están trabajando tan  duro como pueden para hacer que la ciencia-ficción sea una una realidad. Están  trabajando  en viajar  más rápido que la luz y la robótica para que esto no ocurra.La ciencia-ficción siempre ha sido una gran inspiración para los diseñadores gráficos y artistas”

 

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ESTACIÓN LUNAR

 

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FOTOS CERCA DE LA ESTACIÓN ESPACIAL

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IGNACIO ZULOAGA.

ScanSello con fecha de emisión  de Diciembre de 1947, imagen de Ignacio Zuloaga, con un valor facial de 50 ptas. Y representa una versión del oleo de Zuloaga, titulado “autorretrato con fondo azul, realizado en 1942. Fue grabado por Carlos Velamazan. Este mismo retrato será nuevamente reproducido en la serie de sellos dedicada al pintor eibarrés en 1971 (edifil 2022) en esta ocasión su color carmín contrasta con el colorido del autorretrato original, que reservamos también las breves notas biográficas que merece el artista.

Posee una característica especial que puede pasar desapercibida para el lector no acostumbrado a manejar sellos: un número de control por el lado de la goma.

En los últimos tiempos la numeración de los sellos se aplica únicamente en los márgenes de los pliegos (luego el sello propiamente dicho no la posee) Pero unos pocos sellos emitidos a mediados del siglo XX y en años anteriores la llevaban impresa en el dorso.

Podía ser impresa de dos maneras: antes o después de recibir la goma. En primer caso será el papel el que reciba la tinta de la numeración y el sello conservara siempre esta, consideremos el sello nuevo o usado.

Sin embargo, en el segundo caso será la goma la que reciba la tinta y al sumergir el sello en agua para proceder a separar el sello del sobre en el que fue circulado, la goma se disolverá y con ella desaparecerá también la numeración. Este último es el caso del sello de Zuloaga. Por ello nunca veremos este sello usado y con numeración, mientras que los nuevos siempre tendrán, tal y como puede apreciarse en la imagen reproducida a la izquierda del autorretrato.

La organización de Correos ha variado a lo largo de la historia, inicialmente estuvo al servicio exclusivo de la realeza. Más tarde fue esta quien comenzó a arrendar el servicio y a ampliar el ámbito de sus prestaciones. En 1506 su organización fue encomendada a Francisco de Tassis, quien implanto en España una organización similar a la que el mismo explotaba en Alemania. Juan Francisco Goyeneche fue el último arrendatario del servicio postal.

A partir del siglo XVIII Correos pasa a ser un servicio público del estado, destacando en su modernización la obra de Campones, ilustrador del reparto a domicilio, del oficio de cartero, de los buzones, etc.

En el año 1992 Correos dejo de ser una Dirección General integrada en un ministerio para convertirse en un Organismo Autónomo, que en 1997 se convierte en Entidad Pública Empresarial y cuatro años más tarde en Sociedad Anónima Estatal.

(También puede leerse entradas de este personaje de fechas 9 de febrero 2018 y 17 de septiembre   de 2014).

FUENTE: SELLOS EN GUIPUZCOA

“EL FILATELISTA”

 

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El filatelista, Francois Barraud 1929

El título no se refiere a usted ni a mí, sino al cuadro así denominado, de François Barraud, que este colectivo ha podido contemplar muchas veces al conectar con Wikipedia.

Este blog lo comencé en 2012; desde entonces, dicho cuadro me acompaña asiduamente en mi cometido. Y como la fecha que ostenta es  tres años después de la de mi nacimiento, decidí satisfacer mi curiosidad por el autor de la obra pictórica- Y esto es lo que ha averiguado:

“El pintor suizo nació en La Chaux de Fonda , el 14-11-1889. Sus padres eran relojeros y él fue el mayor de cuatro hermanos que también fueron artistas.

Estudió bellas artes en La Chux de Fonds. Cosechó un gran éxito en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Basilea, que le anima a marcharse a Reins (Francia) en el año 1922.

Posteriormente viaja a París donde trabaja como artista y artesano y donde conoce a Marie con la que se casa en el año 1924, que sería modelo de gran número de sus obras.

En Paris tuvo la oportunidad de estudiar la pintura del Museo de Louvre, además de integrarse en el movimiento “Neu Sachlikeit” (Nueva Objetividad), movimiento que surgió en Alemania y que pertenecían Christian Schad, Georg Scholz, Otto Dix, Rudolf Schlichter, Otto Griebel. Durante toda su vida sufrió varias enfermedades, muriendo finalmente el 11 de septiembre de 1934 en Ginebra a causa de una tuberculosis a los 35 años de edad.”

Fuente wikipedia

PABLO URANGA

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Pablo Uranga , por Zuloaga

Pablo Uranga Díaz de Arcaya (Vitoria, 1861-San Sebastián 1934) tuvo una infancia atípica. Su madre murió cuando el tenia diez meses y su padre, de profesión militar, no supo sobreponerse a la nueva situación y acabo ingresando en un convento de cartujos, quedando el niño al cuidado de su abuelo. No debió de gustarle mucho al padre la vida conventual cuando, al cabo de algún tiempo abandonó los hábitos, contrayendo matrimonio con Tomasa Gogorza.

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Parecía que el nuevo matrimonio procuraría estabilidad al pequeño Pablo, pero no fue así, pues muy pronto fallecería su padre y como consecuencia se trasladaría, junto con su madrastra y sus dos hermanos, a la localidad guipuzcoana de Elgeta.

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Inicio estudios artísticos en Vitoria, ingresando en la Academia de la Escuela de Bellas artes (1878-1880) Posteriormente estudió en Jerez de la Frontera (1881-1884) en la Academia de Santo Domingo. Con objeto de ampliar sus conocimientos pictóricos en la Real Academia de San Fernando se trasladó a Madrid (1884-1888) aprovechando la proximidad del museo del Prado para realizar diversas copias de los grandes pintores.

No podía faltar en su formación una estancia en París (1888-1897) donde compartió bohemia, diversión y aprendizaje con el escultor Paco Durrio y los pintores Ignacio Zuloaga, Santiago Rusiñol y Josa María Jorda.

 

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Frontón de Fuenterrabía

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Tarde de paseo

El último año de su estancia parisina consiguió un gran triunfo en una exposición individual. A la vuelta de Francia, se estableció en Elgeta, donde cultivó principalmente la pintura histórica y el paisaje. Contrajo  matrimonio con Prudencia Lejarreta. Hacia 1906 se traslado a Vitoria, donde abrió estudio hasta 1918. Era ya un pintor consagrado, que recibía encargos (retratos decoración pictórica de palacetes y de iglesias) obtenía premios en exposiciones internacionales. Tomó parte también en la creación del Círculo de Bellas Artes de Bilbao y de la Asociación de Artistas Vascos. Finalmente fijaría su residencia en San Sebastián, donde falleció en 1934.

Fuente: Guipuzcoa en sus sellos

IGNACIO ZULOAGA. (AUTORRETRATO)

sello_10997Zuloaga Zabaleta, nació en la localidad guipuzcoana de Éibar en el año 1870 hijo de Lucia Zabaleta y del eminente damasquinador Placido Zuloaga, desde muy joven se inicia en la pintura estudiando y copiando las obras expuestas en el Museo del Prado (1886) más tarde se trasladará a Roma (1889) y a París (1890) donde se establecerá, entrando en contacto con destacados artistas franceses: Degas, Gauguin, Toulouse Lautrec, Máxime Dethomas, etc… así como con pintores catalanes allí residentes.

En 1895 se instala en Sevilla y a partir de 1898 pasa largas temporadas en el taller segoviano de su tío Daniel. Segovia, sus hombres y sus campos serán los temas preferidos de sus pinturas en esta época. En el año 1899 contrajo matrimonio con Valentine Dethomas, hermana de su amigo el pintor Máxime.

 

 

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RETRATO DE SU TÍO DANIEL

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SEGOVIA

En los últimos años del siglo XIX y primeros del XX Zuloaga participara reiteradamente en grandes muestras internacionales, entre otras: Exposición Universal de París (1900) Exposición Nacional de París (1894, 1898, 1903, 1908 y 1914) Exposición Internacional de Barcelona (1907) Bienal de Venecia (1910) Exposición Internacional de Roma (1911) etc. En muchas ocasiones fue galardonado, a pesar de la indiferencia, cuando no hostilidad mostrada por las autoridades artísticas españolas.

Realiza también numerosas exposiciones en ciudades europeas y americanas: Bruselas, Colonia, Dusseldorf (1904), Bilbao, (1901) París, Burdeos, Múnich, Budapest, Berlín (1902) Praga, Rotterdam, Amberes, Lieja, Venecia, Dresde, Viena (1905) Nueva York, Búfalo, Boston (1909) México, Chile, Buenos Aires (1910) etc.

En 1914 inaugura Santiago-Etxea, su casa en la localidad en la localidad costera de Zumaia, circunstancia que no le impedirá abrir un nuevo estudio en Madrid (1920) donde murió en 1945.

Zuloaga tuvo una intensísima vida artística y cultural, destacando su colaboración con el mundo del espectáculo musical (escenografía para el Retablo de maese Pedro, y para la vida breve, ambas de Falla, los bocetos para goyescas, de Granados, etc.). También comprara la casa de Goya en Fuendetodos y el castillo de Pedraza, colaborara igualmente de forma activa en la conversión del convento de San Telmo de San Sebastián en el museo Municipal, etc. Fue también un retratista muy solicitado por la nobleza y hombres de negocios.

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RETRATO DE ZULOAGA (IZQ) DE MANUEL DE FALLA

Además de la pintura, la fiesta de los toros fue su otra pasión, consiguió aunar ambas, pues una parte importante de su producción pictórica tiene temática taurina.

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FUENTE: GUIPUZCOA EN SUS SELLOS

 

NORMAN ROCKWELL.

d9bcf13e7ec7af1fada5f608e0c6dd79Norman Percevel Rockwell  ( Nueva York, Estados Unidos, 3 de Febrero de 1894-Stockbridge, Massachusetts, Estados Unidos, 8 de Noviembre de 1978) fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor.

Su infancia fue feliz, viajando y pasando los veranos en Nueva Jersey junto a su familia. Desde pequeño dio muestras de un gran talento para el dibujo, comenzando con unos acorazados que gustaron mucho a los niños de su localidad. Alrededor de 1908 descubre que su verdadera vocación es, definitivamente, la ilustración, y por ello asiste todos los días desde ese año a las clases de arte de Chase School en Manhattan.

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A los quince años, abandona definitivamente los estudios para ir a la National Academy School , donde hacia copias de vaciados en yeso, costumbre propia de muchos artistas del siglo XIX, a modo de aprendizaje.

En 1910, Rocwell se traslado a la Art Students League, donde aprendió anatomía e ilustración,  perfeccionando sus conocimientos previos, con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty.

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Sin embargo se carrera se verá para siempre inmortalizada por su empleo como ilustrador oficial del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad, su primera portada data de 1916; Norman Rockwell trabajo para esta revista hasta 1963.

 

Sus portadas, anuncios, ilustraciones y demás publicidad han sido repetidas e imitadas hasta la saciedad, símbolo de típico ilustrador virtuoso norteamericano; hizo publicidad para McDonalds o Coca-Cola, cereales, chicles, neumáticos etc.

Rockwell reconocía al también ilustrador Joseph Cristian Leyendecker como influencia e inspiración y así lo menciona en su autobiografía My Adventures as an Illustrator (mis aventuras como ilustrador)  Rockwell fue también amigo personal de Leyendecker.

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Fuente Wikipedia

Su actividad como ilustrador en la revista norteamericana The Saturday Evening Post fue lo que proporcionó fama mundial. Pintor de la cara amable de la sociedad norteamericana, el artista que encarna la imagen del país y sus ciudadanos tienen de sí mismo como cultura ejemplar y tierra de promisión.

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En sus obras siempre apostó por las anécdotas y temas amables como los niños y viejos.Usando óleos y una técnica realista impecable idealizó la pequeña ciudad a americana y expresó una visión personal que se basó de vez en cuando sobre el sentimentalismo.

Entre diversos textos que he tenido que leer encuentro éste: la ONU inaugura una exposición de Norman Rockwell.  Y, naturalmente, a continuación la crónica  referida a este evento, que copio a continuación:

29 de junio, 2015 — La sede de Naciones Unidas en Nueva York inauguró hoy una exhibición de arte denominada “Nosotros los pueblos: las Naciones Unidas de Norman Rockwell” como parte de las actividades por el 70 aniversario de la Organización. La exposición cuenta con 33 obras originales del renombrado pintor y dibujante estadounidense Norman Rockwell, entre ellos “Naciones Unidas”, un enorme dibujo en carbonilla, hecho en 1953, que retrata a tres miembros del Consejo de Seguridad y 65 personas detrás de ellos, en representación de las naciones del mundo.

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También será exhibida “La Regla de Oro” una pintura hecha en 1961, que honra la diversidad de la humanidad. Es la primera vez que ambas obras son expuestas fuera del Museo Norman Rockwell. Jan Eliasson, vicesecretario general de la ONU, dijo en una conferencia de prensa que la exhibición simboliza tanto la conexión con nuestras raíces, la familia y lo que uno quiere alcanzar en la vida. Pero que también representa el deseo del artista de ver un mundo mejor y a la ONU cumpliendo un papel en este sentido, dijo Eliasson.

Laurie Norton Moffatt, directora y presidenta del Museo Norman Rockwell se refirió a la reproducción de la “La Regla de Oro”, un enorme mosaico que se encuentra en la sede de la ONU en Nueva York y que se basa en la pintura del artista.“En esta imagen él expresa que somos un pueblo, compartiendo un mundo, una humanidad común. En la reencarnación de La Regla de Oro, los diplomáticos no aparecen y la gente mira de frente como atestiguando que somos uno a través de nuestras diferencias culturales, nacionalidad, raza, etnicidad y religión. Somos todos iguales”, señaló la directora del Museo. 

La exposición también incluye una serie de pinturas de colores y algunas imágenes icónicas sobre los derechos civiles que reflejan el idealismo de Rockwell y una perspectiva de esperanza hacia el futuro. La exposición se extenderá hasta el 15 de septiembre y está organizada por el Museo Norman Rockwell de Massachusetts, en colaboración con la Fundación de las Naciones Unidas y el Departamento de Información Pública de la ONU.

      

50 HITOS DE NUESTRA HISTORIA. GARCÍA DE CORTÁZAR. (X)

32.- CONSTITUCIÓN DE CÁDIZ.- (1812)

La otra cara de la guerra de la Independencia la dibujarían las Cortes de Cádiz, donde los liberales españoles convirtieron una rebelión popular contra los ejércitos de Napoleón en una insurrección nacional contra la desigualdad y la tiranía. Españoles, diría Argüelles, enarbolando la Constitución de 1812 como se levanta una bandera o se construye un sueño “aquí tenéis vuestra patria”. Las naciones, pregonaban los poetas, tenían vida propia y todo era cuestión de despertarles el alma ante el tirano. ¡Patria! No existe donde sólo hay opresos y opresores, escribía un jovencísimo Duque de Rivas queriendo llevar con su voz la libertad a los campos de España.

 

33.-PINTURAS NEGRAS DE GOYA.- (1819-23)

Francisco de Goya tiene la mirada del hombre moderno sobre las desastrosas guerras y las cortes posrevolucionarias. Anticipa la pintura y las visiones de un mundo  poblado por los monstruos de la razón. Y sus Pinturas Negras, sótanos del alma, reino de la mancha y el no color, poblado por brujas y voracidad saturnal.